西方现代艺术思潮 整理好的

第一章：现代与后现代

• 现代主义运动——19世纪末

• 后现代主义运动——19世纪末，20世纪初

一、文艺复兴及其以后的岁月

• 经院哲学家

文艺复兴之前，知识界的权柄一直操控在教会手中。经院派学者，即一群学识渊博的僧侣和神学家，将古希腊哲学和教神学融合在一起，其中最著名的要数托马斯·阿奎那。

托马斯·阿奎那 Thomas Aquinas

• 托马斯·阿奎那 Thomas Aquinas 中世纪神学家和经院哲学家。出身意大利贵族，天主教多

明我会会士。他的哲学和神学体系叫做托马斯主义，十九世纪末由教皇利奥十三世正式定为罗马教廷的官方哲学。主要著作有《反异教大会》和《神学大全》。

• 启蒙运动

通常是指在18世纪初至17年法国大间的一个新思维不断涌现的时代，与理性主义等一起构成一个较长的文化运动时期。这个时期的启蒙运动，覆盖了各个知识领域，如自然科学、哲学、伦理学、政治学、经济学、历史学、文学、教育学等等。启蒙运动同时为美国战争与法国大提供了框架，并且导致了资本主义和社会主义的兴起，与音乐史上的巴洛克时期以及艺术史上的新古典主义时期是同一时期。

二、历史的进步，谁能阻止

• 启蒙运动让理性和科学战胜了信仰和教会。

• 科学的方法在启蒙运动中诞生了，它背后的信仰是：人类越是追随理性就越能获得成功。 • 蒸汽动力带来了工厂及铁路的蓬勃发展，工厂和铁路有引发了制造业和运输业的。电力

改变了世界，通讯和媒体因此得到进一步的发展。 三、现代主义

• 20世纪早期，现代主义者的出现动摇了启蒙运动的各种价值观。作为一场运动，现代主义始

于1910年左右，一直持续到二战爆发前。现代主义者都是科学的信徒，希望建立一个勇敢的新世界，在自己的蓝图中普遍使用技术和机械。

• 新文学形式

作家们尝试着一种不连续的新文学风格。为了暗示和象征旧的秩序已经崩溃，他们打破叙事流，采用多种不同的文学风格。詹姆斯·乔伊斯的《尤利西斯》和艾略特的《荒原》是最好的例子。作家们尝试着各种描绘现实的新手法。

詹姆斯·乔伊斯

• 詹姆斯·乔伊斯

爱尔兰作家，诗人。1882 年2月2日生于都柏林信奉天主教的家庭，1941 年1月13日卒于瑞士苏黎世。

长篇小说《尤利西斯》是一个平凡的小人物一生中平凡一天的记录，即主人公广告经纪人利奥波德·布卢姆在1904年6月16日一天的活动。乔伊斯在本书中将象征主义与自然主义铸于一炉，借用古希腊史诗《奥德修纪》的框架，把布卢姆一天18小时在都柏林的游荡比作希腊史诗英雄尤利西斯10年的海上漂泊，使《尤利西斯》具有了现代史诗的概括性。

• 现代主义文学的特点

1、故意打破时间顺序

2、大量运用梦境，心理时间，黑色幽默及魔幻、意象、象征和意识流等手法去表现生活和人的性格

3、人的个性从集体意识中出来，只有用这种方法才能更深刻更准确地把人的个性和复杂的心理体验表现出来

• 艺术和建筑

艺术领域发生的新运动有：立体主义、达达主义、超现实主义和未来主义。

艺术家们不再像照相机一样复制现实，一个细节也不放过。画面呈现爆炸状，构图忽略透视原则，用色无视自然界和光的特点。

• 立体主义大师毕加索的《亚维农的少女》

达达主义代表作《波兰骑士》

超现实主义作品《向鸟投石子的人》（米罗）

未来主义作品《沸腾的城市》（尤姆博特·伯西尼）

• 建筑

建筑领域里的新运动是极少主义。这种流行的风格只保留基本的装饰，追求几何形的设计及和谐统一。

极少主义也被称为简单派

少点、再少点，极少主义的装饰风格

CK创始人卡尔文·克莱恩

• 叙事

一个幽灵，一个主义的幽灵，在欧洲徘徊。 ——卡尔·马克思《党宣言

• 叙事是现代性的标志

1、关于理性和自由的进步性的

2、关于劳动（资本主义的异化价值的源头）的进步性的或灾难性的 3、关于通过资本主义的科学技术而达到的人性的丰富多彩

4、关于现代性（与古代的古典主义相对立）中的教通过对灵魂的改变，即拯救受造物

的方式而诉诸以受难的爱为特征的教的叙事 四、后现代

• 后现代主义 （Postmodernism）是上世纪七十年代后被神学家和社会学家开始经常使用的一

个词。起初出现于二、三十年代，用于表达要有必要意识到思想和行动需超越启蒙时代范畴。而现在成了：一切都是凌乱的，没有中心。

• 消费哲学

和平时期，因备战而发展起来的科学技术转而为消费者服务，这引发了急剧的社会变革。 电视让世界联系的更紧密，“地球村”产生了。

• 文化大杂烩

各种理论都在争取市场，但人们不能承受过多的信息，因此不断在各种信息中摇摆。这是后现代主义的一个重要特征。

不同时代及地域的风格和思想都能找到立身之处。生活变得更快、更漫无目的，充满了各种飘忽不定的价值观和不确定的希望。 后工业时代的时尚

• 大众明星麦当娜的造型总是变来变去，混杂了各种不同的时尚、时代、文化以及风格。她被

认为是后现代主义的完美偶像。

• 怀疑论

后现代思想孕育出一种激进的怀疑论调。任何一种学问都受到了质疑，生活和社会变得漫无目的。世界像一个大市场，兜售各种价值观、学说及生活方式。正如英国摇滚乐团疯狂的祈祷者说的那样：“这是我的真理，你的呢？”

• 我们失去了什么？

过多的强调理性导致了想象力、诗性、象征性以及伦理的沦落。古人看世界的视角很古朴，认为世界非常神秘，到处是神奇之物。而物质主义却在千方百计地将这一切榨干。世界变成了一个巨大的商品。 谁是后现代主义者

• 罗兰·巴尔特（1915——1980）

巴尔特，法国人，一生大部分时间都游离于法国的学术体系之外。他发展了符号思想。最主要的著作是《神化学》。此书选录了他在报纸上发表的小文章，以描写社会百态为主。

法国哲学家罗兰·巴尔特

• 让·鲍德里亚（1929——）

法国哲学家鲍德里亚的研究领域之一是符号学。符号学是关于人类符号系统的学问。他还分析了包括消费至上主义在内的、驱动社会发展的几股力量。金钱至上，一切皆幻像，都是超现实的。其主要作品有《美国》、《自杀》、《末端的幻像》、《海湾战争并没有发生》。

法国哲学家让·鲍德里亚

• 雅克·德里达（1930——）

德里达，生于阿尔及利亚的首都阿尔及尔。为了上学，19岁来到法国巴黎高等师范学院。德里达发展了哲学的文学化研究方法，并且纵览整个哲学，对许多常见的假设提出质疑。在他看来，哲学和其它学问一样，富有人性及文学意味。

当代思想大师雅克·德里达

• 米歇尔·福柯（1926——1984）

法国哲学家和“思想系统的历史学家”。他对文学评论及其理论、哲学批评理论、历史学、科学史（尤其医学史）、批评教育学和知识社会学有很大的影响。他被认为是一个后现代主义者和后结构主义者，他本人对这个分类并不欣赏，他认为自己是继承了现代主义的传统。他认为后现代主义这个词本身就非常的含糊。

法国思想大师米歇尔·福柯

• 雅克·拉康（1901——1981）

受超现实主义的影响，拉康在法国发展了弗洛伊德的学说。他最杰出的思想是，随着我们长大成人，我们的语言形成了我们的精神。在我们当中，并没有什么确切的自我。语言——人类的话语世界——帮助我们形成了一种身份感。拉康的作品影响了许多后现代思想家。

法国思想家雅克·拉康 法国情结

• 后现代主义的产生与法国有着千丝万缕的联系，后现代思想家们绝大多数都是法国人。

• 后现代主义是一个非常法国的现象。

在塞纳河左岸的咖啡馆里讨论哲学和艺术的问题司空见惯 后现代主义尊崇的基本信条

1、人类的知识受限于人类的语言。Women不能直接到达“彼岸”的真理。

2、任何冠冕堂皇的叙述方式，无论是哲学的、宗教的还是科学的，都是有限的且受到历史的制约。它们免不了有瑕疵，残缺不全。

3、我们这一代比任何一代人都具有自我意识。我们意识到我们是时代的儿女，我们随意地把玩其它时代的各种思想和风格。

4、世界上存在着各种关于真理的学说，存在着众多言论、众多只是形式和生活方式。宽容、开放和多变性是我们这个时代的定律。 第二章：20世纪早期 现代艺术 表现主义

 表现主义（Expressionism），现代重要艺术流派之一。20世纪初流行于德国、法国、奥地利、

北欧和俄罗斯的文学艺术流派。1901年法国画家朱利安·奥古斯特·埃尔韦为表明自己绘画有别于印象派而首次使用此词。后德国画家也在章法、技巧、线条、色彩等诸多方面进行了大胆地“创新”，逐渐形成了派别。后来发展到音乐、电影、建筑、诗歌、小说、戏剧等领域。

 法国——野兽派

野兽派是自18至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。

 野兽派是表现主义的一种，得名于1905年巴黎的秋季沙龙展览，当时，以马蒂斯为首的一批

前卫艺术家展于同一层厅的作品，引起轩然大波。有人形象地将这些画称作“一罐颜料掼在公众的面前”。

 野兽派代表画家

马尔凯（1875——1947）、芒干（1874——1949）、德兰、弗拉芒克、乔治·罗奥、杜飞（1877——1953）、凡·东根（1877——1968）、佛里兹（1879——1949）。

 野兽派的风格特点

野兽派继续着后印象主义文森特·梵高﹑P.高更﹑P.塞尚等人的探索，追求更为主观和强烈的艺术表现。对西方绘画的发展，产生了重要的影响。他们吸收了东方和非洲艺术的表现手法,在绘画中注意创造一种有别于西方古典绘画的疏﹑简的意境,有明显的写意倾向。

 野兽派的艺术原则

野兽派的主要原则是通过颜色起到光的作用达到空间经营的效果，全部采用既无造型，也无幻觉明暗的平涂，手段要净化和简化，运用构图，在表达与装饰之间，即动人的暗示与内部秩序之间，达到绝对的一致。马蒂斯说过：“构图，就是以装饰方法对画家用以表达自己感情的各种不同素材进行安排的艺术。”

 野兽派的影响和意义

野兽派作为社团存在的时间只有二三年。参加这一社团的艺术家后来朝着不同的目标，继续作新的探索。是20世纪在欧洲第一个现代主义流派，它摆脱了物体固有的色彩特征，运用简练的线条和夸张的颜色来实现色彩在画面中的完全释放和，野兽派的出现把欧洲从几百年的传统的自然色彩概念中释放了出来，野兽派的产生意义，就在于色彩不必依附于任何自然形态以及他们的真实性，就可以拥有属于自己的品格特征。

野兽派代表作家马蒂斯

 亨利·马蒂斯（Henri Matisse ，1869—19）法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人

物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。21岁时的一场意外，令马蒂斯的绘画热情一发不可收拾，偶然的机缘成为他一生的转折点。用他自己的话说：“我好像被召唤着，从此以后我不再主宰我的生活，而它主宰我。”

马蒂斯作品《豪华 欢乐 宁静》

马蒂斯作品《马蒂斯夫人像》

马蒂斯作品《红色的画室》（1908年）

马蒂斯作品《红裤宫女》（1921年）

我追求的是表现。画面的整体安排就是表现，物体的大小、位置、空间都扮演着一个角色。色彩的选择不是依赖科学理论，而是建立在观察、感受、每一个十分自然的体验基础上的，目标是达到那种组成画面的感觉的凝聚状态，绘画过程十分缓慢，是一个长时间的、不断地调整的渐进过程，直到色与色、形与形的关系达到高度协调为止。 ——马蒂斯

 德国和奥地利——表现主义

20世纪表现主义的主要基地是德国，这决定于德国的社会现实，同时受到尼采的主观唯心主义哲学、弗洛伊德的精神分析学说和斯泰纳的神秘主义的影响。

 兴起：19世纪末德国一些哲学家和美学家的理论对表现主义起了推动作用。直接对德国表现

主义产生影响的是挪威画家蒙克，他的作品中出现强烈的表现主义因素。他的画展推动了德国表现主义兴起。蒙克代表作《呐喊》。

蒙克作品《呐喊》

 桥社

德国表现主义美术社团。1905年成立于德累斯顿。由德累斯顿理工学院建筑专业的学生E.L.基希纳、E.黑克尔、E.布莱尔和K.施米特-罗特卢夫发起。“桥社”一词的含义是团结所有德国艺术家，共同起来反对的学院派绘画和雕塑，建立一种新的同日耳曼传统有联系的而又充满现代情感和形式的美学，从而在艺术家和切实有力的精神源泉之间建立一座“桥梁”。

基希纳作品《柏林街景》（1913年）

 基希纳（1880～1938）德国画家。1880年5月6日生于阿沙芬堡，1938年6月15日卒于瑞士

的达沃斯附近。早年在德累斯顿学建筑，后转到慕尼黑学绘画。代表作《柏林街景》、《市场与红塔》。追求变形，艺术语言简练，呈现几何形构图。1931年被推举为柏林普鲁士美术学院院士，两年后院士资格被纳粹当局取消，收藏在各大博物馆的639件作品也被当局没收 。后自杀身亡。

 德国哥特式

在桥社的年轻画家中，基希纳称得上是最有才华和最为敏感脆弱的一位。早在年轻时代，他就开始悉心研究德国的晚期哥特式艺术，那种“尖尖的、间断式造型的、强调坦率的直觉和强烈感的德国哥特式”艺术风格，对他一生的创作产生深刻的影响。

 作品气质

也许是由于他身体多病、性格内向的缘故，其作品常常流露出某种病态的焦虑与压抑，并带有一些神经质倾向。他常常通过某种歪曲形状、色彩和空间的手段，来实现其对于象征性和表现性的追求。他在画上，充分揭示出人物的心理冲突，并将由这种冲突而产生的痛苦，绵延不断地传达给观者。

 蓝骑士

1911年12月成立于慕尼黑，对抽象艺术的发展有重大影响。创始人 马尔克和康丁斯基。

合编了一卷美学论文集，书名为《蓝骑士》，原是康丁斯基一幅画的名称，后来便成为这个团体的名称。

 蓝骑士既不是一个运动，也不是一个学派，没有明确的纲领，只是一个由众多艺术家组成的

松散的团体，在1911∼1914年间一起展出他们的作品。与 “桥社”一样以表现主义为方向；但与桥社不同的是他们的表现主义采用抒情抽象的形式，而且也不像桥社那样表现出许多共同的风格特征。他们对不可见的世界比对可见的世界更感兴趣，希望赋予神秘的感情以形式，把艺术同深刻的精神内容融於一体。

康定斯基作品《蓝骑士》

康定斯基作品《有弓箭手的画》

康定斯基作品《构图5号》

 维也纳表现主义

维也纳表现主义是德国表现主义运动的重要组成部分。科科斯卡作为维也纳表现主义最杰出的艺术家，后来也成为德国表现主义运动的代表人物。艾贡·席尔首先得到德国的认可，之后在维也纳也获得了成功。

席尔的自画像

 席尔画作的特点

荆棘般硬拙的线条似乎沾染了某种腐蚀性的精神力量，勾勒出文化过分成熟、生命力趋于衰竭的人物。孱弱的，尚未发育成熟的少年躯体上，长着一张饱经风霜的脸，关节、骨头等局部被放大，增强了骨骼的嶙峋感。头发像燃烧的火焰，有一种桀骜不驯的气概。

 表现主义文学

表现主义文学是20世纪初期以德国为中心兴起的一场国际性文动。表现主义文学是表现主义艺术在文学领域的体现，涉及到文学的各个领域，其中戏剧和诗歌的成就最为突出。

 表现主义文学特点：

1） 凭借主观精神进行内心体验，并将这种体验的结果化为一种激情 2）舍弃细节描写，追求事物的深层“幻象”构成的内部世界

3）作品中的人物常以某种类型的代表或某种抽象本质的体现代替有个性的人。

4）情节不连贯，发展线索不明晰

5）均以怪诞的方式表现丑恶和私欲的“疯人院”式的人世罪孽和无穷痛苦

 表现主义音乐

表现主义音乐的最大特征，是无视传统，无视规则，不追求庞大、夸张，刻意追求精致、纯朴，抛弃印象派的玄妙模糊，力求于音乐表现的简洁、单纯、明快和热烈。

 表现主义的艺术特征

1、强烈的激情。除了少数“为艺术而艺术”的鼓吹者外，多数表现主义者都把创作当作表达他们个人的反抗情绪的手段，或者说当作倾泻内心情感的突破口。

2、再造“世界图像”。既然“模仿论”遭到抛弃，那么创作就不能像以往的方法那样去写了。 3、抽象的概括。

4、非理性思维。 5、爱好怪诞。 6、追求神奇。

7、“多声部交响”。 8、蒙太奇结构。 立体主义

 立体主义(Cubism)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法

国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面－－以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。

 立体主义开始于1906年，由当时居住在法国巴黎蒙马特区的乔治．布拉克与帕布洛．毕加索

所建立。 1908年，乔治·布拉克在卡恩韦勒画廊展出作品《埃斯塔克的房子》，评论家L.活塞列斯在《吉尔.布拉斯》杂志上评论说：“布拉克先生将每件事物都还原了……成为立方体。”这种画风因此得名。

 立体主义发展的三个阶段

1、1907－1909年的塞尚时期，也就是早期发展阶段是立体主义的孕育和起步阶段。这一时期的画家主要求取单纯的几何学形态，放弃光色分析，追求对象形态。

2、1909－1912年的分析立体主义时期。他们首先打破了传统绘画中只能按照一个固定视点去表现，然后安排在同一个绘画平面上的方法。但是他们仍只注重追求形式的分解，而不注重整体的重组，而且颜色比较单一。

3、从1912年到1914年他们进入了“综合立体主义”时期，这一时期，画家开始注重画面的整体效果，不再只是强调局部的分解。色彩渐渐丰富起来，事物的形态又重新被重视。他们的观点是：不要去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。

 拼贴和综合立体主义

分析立体主义后期，勃拉克和毕加索的作品中开始出现某些印刷体的字母和符号，这引发了一种新的绘画方式——拼贴法。字母、符号及各种类型的现成品，作为形式元素，被剪裁、切割和拼贴，用于构建新的绘画形式世界。

毕加索《吉他》

 立体主义是富有理念的艺术流派。它主要追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生

的美感。它否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于由直线、曲线所构成的

轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。不从一个视点看事物,把从不同的视点所观察和理解的,形诸于画面,从而表现出时间的持续性。这样做,显然不主要依靠视觉经验和感性认识,而主要依靠理性、观念和思维。

 立体主义在反传统的口号下有浓厚的形式主义倾向。但它在艺术形式上的探索,又给现代工艺

美术、装饰美术、建筑美术等注重形式美的实用艺术领域以不小的推动作用。 未来主义

 现代文艺思潮之一。1909年意大利马里内蒂倡始。1911年至1915年广泛流行于意大利。第

一次世界大战期间传布于欧洲各国。

 意大利诗人、作家兼文艺评论家马里内蒂于1909年2月在《费加罗报》上发表了《未来主义

的创立和宣言》一文，标志着未来主义的诞生。

 马里内蒂强调近代的科技和工业交通改变了人的物质生活方式，人类的精神生活也必须随之

改变。他认为科技的发展改变了人的时空观念，旧的文化已失去价值，美学观念也大大改变了……

 未来主义建筑

1914年7月，意大利年青的建筑师圣伊里亚发表了《未来主义建筑宣言》，激烈批判了复古主义，认为：未来的城市应该有大的旅馆、火车站、巨大的公路、海港和商场、明亮的画廊、笔直的道路以及对我们还有用的古迹和废墟……在混凝土、钢和玻璃组成的建筑物上，没有图画和雕塑，只有它们天生的轮廓和体形给人以美。这样的建筑物将是粗犷的像机器一样简单，需要多高就多高，需要多大就多大……

 未来主义绘画

画家和雕塑家翁贝特·波丘尼（1882－1916）于1910年发表了《未来主义绘画宣言》。在宣言中，他声称：“我们将竭 尽全力的和那些过时的、盲信的、被罪恶的博物馆所鼓舞着的旧信仰做斗争。我们要反抗陈腐过时的传统绘画、雕塑和古董，反抗一切在时光流逝中肮脏和腐朽的事物。我们要有勇于反抗一切的精神。这种精神是年轻的、崭新的，伴随着对不公的甚至罪恶的旧生活的毁灭。”

 未来主义对20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超

现实主义。未来主义作为一种艺术思潮从20年始衰落，如今已经基本绝迹，很多未来主义艺术家在两次世界大战中丧生。然而，未来主义所倡导的一些元素至今仍然是西方文化的重要组成部分。 形式与抽象

 几何形式主义

几何抽象把立体主义的形式诉求推到极致，其动机是在于走出立体主义游离社会现实之外的形式主义乌托邦，是对时代与社会新型美学需求的回应，一种卓有成效的改造社会和大众精神世界的工具。

 ——至上主义和构成主义  至上主义

至上主义一词来自於1915年马列维奇发表的宣言式小册子《从立体主义和未来主义到至上主义》。在这本书中，马列维奇强调至上主义是艺术中的绝对最高真理，它将取代此前一切曾经存在过的流派。人类社会可以以至上主义的原则进行组织和构建，进入新的历史发

展阶段。至上主义的理论和创作对同时期的构成主义以及欧洲的抽象绘画产生了重要的影响。

至上主义大师马列维奇代表作《飞机飞行》

马列维奇《白底上的黑色方块》

 1915年对马列维奇来说是至关重要的一年，他在彼得格勒的“0，10”展览上展出了一幅名为

《白色底上的黑色方块》的抽象绘画，引起了极大的轰动。整幅绘画以白纸为底，以黑色方块为母题，这让当时的评论家深表感叹：“我们失去了所钟爱的一切……我们面前，除了一个白底上的黑方块以外什么都没有。”他把这幅作品挂在了展室两面墙壁相交的一角，这是旧式俄罗斯家庭挂圣象画的地方，这就更寓意了马列维奇对传统挑战到底的决心。

 马列维奇认为“对于至上主义者而言，客观世界的视觉现象本身是无意义的，有意义的东西是

感情… 。”也就是说至上主义是强调情感抽象的至高无上的理性，反对物象的具象传达，对于传统性艺术中的具象表达方式，他认为必须要摒弃甚至摧毁。

马列维奇《至上主义构图》

 1917年前后，十月爆发期间，前卫艺术家们为迎合社会变革的需要，进行艺术

创造，建立了“左翼艺术家联盟”，。在此期间，马列维奇的艺术作品也同样表现出激情澎湃的精神。如果说马列维奇的黑色方块是至上主义艺术成果的初探，是真实情感的外在抽象性的初次流露，那么在1917年前后创作的《至上主义构图》《充满活力的至上主义》（1916年，图6）等这些艺术成果，则是炙热的情感的迸发外现。

马列维奇《白上之白》

 随着时间的演变，马列维奇注定要为至上主义的发展开辟一片新天地。1918年，马列维奇创

造了一副名为《白底上的白方块》也称为《白上之白》，在宣布白色时期的到来的同时也体现了其情感与理性的完美结合到达了极致。

 马列维奇对白色系列进行了自己的论述：“我已冲破蓝色格局的黑色而进入白色，在我们面前

是白色的、畅通的太空，是一个没有终极的世界。”白色方块的出现，是将艺术家内在至高无上的情感的外在理性化的极致表现，是对黑色时期和红色时期的进一步深化发展 。

 构成主义

构成主义是兴起于的艺术运动，大约开始于1917年受到马克思主义刺激之下的之后，持续到1922年左右，对于激进的艺术家而言，十月引进根基于工业化的新秩序，是对于旧秩序的终结。这个被视为无产阶级的一大胜利。之后，大环境提供了信奉文化和进步的观念的构成主义在艺术、建筑学、和设计实践的机会。

 构成主义，又名结构主义；构成主义是指由一块块金属、玻璃、木块、纸板或塑料组构结合

成的雕塑。强调的是空间中的势，而不是传统雕塑着重的体积量感。构成主义接受了立体派的拼贴和浮雕技法，由传统雕塑的加和减，变成组构和结合；同时也吸收了绝对主义的几何抽象理念，甚至运用到悬挂物和浮雕构成物，对现代雕塑有决定性影响。

 构成主义的主要风格

构成主义者认为：所有艺术家应该「进入工厂，在那里才有真实的生命。」艺术同时也将为构筑新社会而服务。因此，传统提供愉悦经验的艺术概念必须被抛弃；取而代之的是大量生产和工业，这与新社会和新政治秩序是密不可分的。这些清楚的政治动力造成马克思主义理论的实践 。

塔特林《第三国际纪念塔》

 塔特林曾应用他自己独特的手法，企图实现他的未来主义的梦想。

1．铁螺旋架构含有一玻璃圆柱,圆锥体和立方体内部,悬吊相同垂直的轴； 2．圆柱为房子授课礼堂和会议室,一年旋转一次 ； 3．圆锥体为房子执行的部分,一个月旋转一次 ； 4．立方体包含有报告中心,白天旋转一次；

5．从未建造如同那么大的建筑物。 6．现代的艺术家有能力兼备艺术的革新和工程；

 荷兰——风格派

“风格派”即是荷兰的一些画家、设计家、建筑师在1917年到1928年之间组织起来的一个松散的集体，说其松散是因为比起立体主义、超现实主义运动，风格派运动并没有完整的结构和宣言，参加这场运动的不少人都互相不认识，且参加的人从没同时展览作他们的作品。

 风格派没有成员身份，唯一能够展示“风格派”风格的展览是20世纪20年代中期在巴黎举行的

展览。这场运动的主要促进者是杜斯柏格，而维系这个集体的中心是这段时间出版的一份称为《风格》的杂志，这份杂志的编辑者也是杜斯柏格。

 一战期间，荷兰作为中立国而与卷入战争的其他国家在政治上和文化上相互隔离。在极少外

来影响的情况下，一些接受了野兽主义、立体主义、未来主义等现代观念启迪的艺术家们开始在荷兰本土努力探索前卫艺术的发展之路，且取得了卓尔不凡的独特成就，形成著名的风格派。

 风格派从一开始就追求艺术的“抽象和简化”。它反对个性，排除一切表现成分而致力探索一

种人类共通的纯精神性表达，即纯粹抽象。艺术家们共同关心的问题是：简化物象直至本身的艺术元素。因而，平面、直线、矩形成为艺术中的支柱，色彩亦减至红黄蓝三原色及黑白灰三非色。艺术以足够的明确、秩序和简洁建立起精确严格且自足完善的几何风格。

 风格派作品的特征

1.把传统的建筑、家具和产品设计、绘画、雕塑的特征完全剥除，变成最基本的集合结构单体，或者称为元素。

2.把这些几何结构单体进行结构组合，形成简单的结构组合，但在新的结构组合当中，单体依然保持相对性和鲜明的可视性。

3.对于非对称行的深入研究于运用。

4.非常特别地反复应用横纵几何结构和基本原色和中性色。

以上几点特征可以很清晰的从蒙德里安的作品中看出。

蒙德里安格子

蒙德里安格子

以蒙德里安格子为设计理念的建筑 达达和超现实主义

 达达派即达达主义。是二十世纪初在欧洲产生的一种资产阶级的文艺流派。达达主义是一种

无主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。

 第一次世界大战时，达达首先产生在瑞士。1915年秋季，几个在瑞士苏黎世的文学青年，

包括罗马尼亚人特里斯唐．查拉、法国人汉斯．阿尔普以及另外两个德国人，他们在伏尔泰酒店组织了一个名为“达达”的文学团体；1919年，又在法国的巴黎组织了“达达”集团，从而形成了达达主义流派。

 达达主义者对一切事物采取虚无主义的态度，他们常常用帕斯卡尔的一句名言来表白自己：

“我甚至不愿知道在我以前还有别的人。”达达主义者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应象炮弹一样，将人打死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。

 达达主义者主张否定一切，破坏一切，一切。因此，达达主义是虚无主义在文学上的具

体表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。

 关于“达达”

关于“达达”一词的由来，历来众说纷纭。有些人认为这是一个没有实际意义的词，有一些人则认为它来自罗马尼亚艺术家查拉和詹可频繁使用的口头语“da, da”，在罗马尼亚语中意为“是的，是的”。最流行的一种说法是，1916年，一群艺术家在苏黎世集会，准备为他们的组织取个名字。他们随便翻开一本法德词典，任意选择了一个词，就是“dada”。在法语中，“达达”一词意为儿童玩耍用的摇木马。

 达达主义的主要特征包括：追求清醒的非理性状态、拒绝约定俗成的艺术标准、幻灭感、愤

世嫉俗、追求无意、偶然和随兴而做的境界等等。这场运动的诞生是对野蛮的第一次世界大战的一种。达达主义者们坚信是中产阶级的价值观催生了第一次世界大战，而这种价值观是一种僵化、呆板的压抑性力量，不仅仅体现在艺术上，还遍及日常生活的方方面面。达达主义运动影响了后来的一些文艺流派，包括超现实主义和激浪派。

 达达主义者认为“达达”并不是一种艺术，而是一种“反艺术”。无论现行的艺术标准是什么，达

达主义都与之针锋相对。由于艺术和美学相关，于是达达干脆就连美学也忽略了。传统艺术品通常要传递一些必要的、暗示性的、潜在的信息，而达达者的创作则追求“无意义”的境界。

 对于达达主义作品的解读完全取决于欣赏者自己的品味。此外，艺术诉求于给人以某种感观，

而达达艺术品则要给人以某种“侵犯”。讽刺的是，尽管达达主义如此的反艺术，达达主义本身就是现代主义的一个重要的流派。“达达”作为对艺术和世界的一种注解，它本身也就变成

了一种艺术。

 达达的崩溃

自1919年在巴黎成立了达达团体后，巴黎就成了这一流派活动的基地，文艺杂志《文学》则成了达达主义者的喉舌。参加这一流派的作家有：布洛东、阿拉贡、苏波、艾吕雅、皮卡比亚等。达达主义虽然曾一度引起人们的注意，但终因精神空虚而不持久。到1921年，巴黎的一些大学生抬着象征“达达”的纸人，把它扔进塞纳河“淹死”，以表示对达达主义的憎恨。1923年，达达主义流派的成员举行最后一次集合而宣告崩溃，它的许多成员随即转向，参加到超现实主义作家的行列。

 总体上讲，达达主义并不是一个成熟的文艺流派，而只是一种过渡状态的文艺思维，其艺术

理念不具任何建设性，而是建立在对旧秩序的毁灭的基础之上的，因此势必无法长久。但正因为达达主义激进的破旧立新观，20世纪大量的现代及后现代流派得以催生并长足发展。没有达达主义者的努力，这些是很难实现的。

达达派的蒙娜丽莎 超现实主义

 超现实主义是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义，并且对于视觉艺术的影响力深远。于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。它的主要特征，是以所谓“超现实”、“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”世界才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目。超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。也常被称为超现实主义运动。或简称为超现实。

 超现实主义（surrealism），此派别的理论根据是受到弗洛依德的精神分析影响，致力于发

现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。

 超现实主义的发展历程

1、达达主义的准备时期（1919—1924） 达达主义被称为早期超现实主义。 2、《第一次宣言》时期(1924-1929)

1924年布勒东发表第一篇《超现实主义宣言》。以布勒东为首，阿拉贡、艾吕雅、苏波等形成声势浩大的潮流，与达达不同，他们有理论、有奋斗目标、有比较成功的作品。

3、鼎盛时期(1929-1941)

1929年12月，布勒东《第二次超现实主义宣言》，“纯化超现实主义”。阿拉贡事件，1930年阿拉贡参加苏联举行的第二届国际作家代表大会，结果没有捍卫超现实主义路线，导致与布勒东的决裂。

4、战后时期(1946-1969)

1947年，布勒东召集巴黎举行的国际超现实主义博览会，重振旗鼓。 拓展为世界现象，延伸到各个领域。 1966年，布勒东去世，让·许斯特接替。 1969年宣布解散。

 超现实主义文学

超现实主义文学宣称在现实世界之外，还有一个所谓“彼岸”世界，即无意识或潜意识的世界，后一世界比前一世界更真实。强调诗人听从潜意识的召唤，写梦境，幻境，事物的巧合，提倡自动写作法，把梦幻和一刹那的潜意识记录下来，达到“纯精神的自动反应”。作品追求神奇，奇特的艺术效果，充满出人意料的形象比喻，有些作品想象丰富新颖，但大多晦涩难懂，语言缺乏逻辑性，规范性。

 超现实主义电影

超现实主义电影把文学上的超现实主义的创作方法运用于电影创作的电影流派。承袭了这一创作主张的倡导者布勒东的原则，强调无理性行为的真实性、梦境的重要意义、不协调的形象对列的情绪力量和对个人快感的执着追求。一度成为二十年代法国先锋派电影的主要倾向，后来又成为美国实验电影和地下电影的重要一翼。在供商业发行的故事片领域，超现实主义不构成的流派，它的影响只见于影片的个别镜头或段落。

 超现实主义摄影

超现实主义摄影产生于20世纪30年代，超现实主义摄影既然不以记录现实为己任，那么其作品中的实物自然也不能是它们原本在客观世界中的原意，每一物体都是作为一种视觉图像符号而出现的，超现实主义摄影家用这些符号作词汇来造“影像句子”，而且这种“影像句子”很难能翻译成“语言句子”，这种句子中也往往会蕴含一种情绪、一缕诗情、一些感性和些许的政治意味，这些隐含的意味也正是超现实主义作品的艺术魅力所在。 早期现代建筑：功能、技术与形式

 工业与现代建筑

19世纪头30年是工业的关键时期，18世纪的各种技术发明在得到了完善和提高后，全面应用于社会生产领域，古代的木料和石材经济最终被钢铁和煤炭经济取代。一座座庞大的工厂建造起来，人口迅速向都市集聚，商业贸易活动繁荣，社会生活世俗化，这一切催生了各种新建筑类型的出现。

 19世纪以来，鉴于钢铁等现代工业材料在构架大跨度空间方面的优势、一些传统的砖石建筑

也局部地加以使用。作为屋顶的拱架，中厅立柱等，铁质建筑构件强度高，可塑性大，远比石材节省空间，但是这些建筑物的整体设计理念还是停留在历史风格建筑传统上，并没有形成以新材料和新技术为基础的现代建筑理念。

 19世纪晚期，欧洲出现的以钢铁、玻璃等现代工业材料构筑的骨架结构建筑，也是现代建筑

观念和原则形成和发展的催化剂。这种类型的建筑首先在英国发展起来。

园艺师帕克斯顿作品《水晶宫》

 水晶宫是工业时代的重要象征物。它原先是世界博览会首次于1851年在伦敦举行时的展

示馆，世博会结束后水晶宫移至伦敦南部的西得汉姆，并以更大的规模重新建造，18年6月10日由维多利亚女王主持向公众开放。它作为伦敦的娱乐中心存在了82年。这座历史上第一次以钢铁、玻璃为材料的超大型建筑，不仅开创了近代功能主义建筑的先河，也成就了第一届伟大的世博会。

 这栋建筑使用了面积九十万平方英尺、相当于八万四千平方公尺的玻璃（或是八个半的标准

足球场地），由伯明翰一玻璃供应商提供，这家公司是当时唯一拥有可提供如此庞大需求的工厂，却仍然必须从法国聘请劳工协助，以赶上展期的建筑进度。而另一个主要建材是铁，包括铁柱三千三百根，铁梁两千三百条，占地面积七万四千平方公尺，宽度与长度分别约为408英尺、1851英尺（相当于125公尺、5公尺），高三层楼。

 18年，法国大100周年，巴黎举办了大型国际博览会以示庆祝。博览会上最引人注目

的展品便是埃菲尔铁塔。它成为当时席卷世界的工业的象征。埃菲尔铁塔的设计者是法国建筑师居斯塔夫·埃菲尔。埃菲尔铁塔是巴黎的标志之一，被法国人爱称为“铁娘子”。它和纽约的帝国大厦、东京铁塔同被誉为西方三大著名建筑。

 埃菲尔铁塔从1887年起建，分为三楼，分别在离地面57.6米、115.7米和276.1米处，其中一、

二楼设有餐厅，第三楼建有观景台，从塔座到塔顶共有1711级阶梯，共用去钢铁7000吨，12000个金属部件，259万只铆钉，极为壮观。

 这个为了世界博览会而落成的金属建筑, 曾经保持世界最高建筑45年, 直到克莱斯勒大厦的

出现。 它由250万个铆钉连接固定, 据说它对地面的压强只有一个正常的成年人坐在椅子上那么大。塔的四个面上, 铭刻了72个科学家的名字, 都是为了保护铁塔不被摧毁而从事研究的人们。

 沙利文与芝加哥学派

路易·沙利文（1850~1924），十九世纪末二十世纪初美国著名建筑师，他是芝加哥学派的一个得力的支柱，沙利文是一位非常重实际的人，在当时时代影响下，他最先提出“形式随从功能”的口号，为功能主义建筑设计思想开辟了道路。他的代表作是19~1904年建造的芝加哥C.P.S百货公司大厦。

沙利文

 芝加哥学派

美国最早的建筑流派，是现代建筑在美国的奠基者。 芝加哥学派突出功能在建筑设计中的主要地位，明确提出形式从功能的观点，力求摆脱折衷主义的羁绊，探讨新技术在高层建筑中的应用，强调建筑艺术应反应新技术的特点，主张简洁的立面以符合时代工业化的精神。

 芝加哥学派的鼎盛时期是1883年~13年之间，它在建筑造型方面的重要贡献是创造了“芝

加哥窗”，即整开间开大玻璃，以形成立面简洁的独特风格。在工程技术上的重要贡献是创造了高层金属框架结构和箱形基础。

 工程师詹尼（1832~1907）是芝加哥学派的创始人，他1879年设计建造的第一拉埃特大厦。

1885年他完成的“家庭保险公司”十层办公楼，标志芝加哥学派的真正开始，是第一座钢铁框架结构。

 赖特与新建筑

弗兰克·劳埃德·赖特是美国的一位最重要的建筑师，在世界上享有盛誉。他设计的许多建筑受到普遍的赞扬，是现代建筑中有价值的瑰宝。赖特对于传统的重新解释，对于环境因素的重视，对于现代工业化材料的强调，特别是钢筋混凝土的采用，和一系列新的技术(比

如空调的采用)。为以后的设计家们提供了一个探索的、非学院派和非传统的典范，他的设计方法也成为日后新探索的重要借鉴。

 赖特从小就生长在威斯康星峡谷的大自然环境之中，在农场赖特过起了日出而居，日落而歇

的生活。向大自然索取的艰苦劳动中了解了土地，感悟到蕴藏在四季之中的神秘的力量和潜在的生命流，体会到了自然固有的旋律和节奏。赖特认为住宅不仅要合理安排卧室，起居室，餐橱，浴厕和书房使之便利日常生活，而且更重要的是增强家庭的内聚力，他的这一认识使他在新的住宅设计中把火炉置于住宅的核心位置，使它成为必不可少但又十分自然的场所。赖特的观念和方法影响了他的建筑。

 赖特的草原式的住宅反映了人类活动，目的，技术和自然的综合它们使住房与宅地发生了根

本性的改变，花园几乎伸人到了起居室的心脏，内外混为一体。就如同人的生命。这样，居室就在自然的怀抱之中。他认为：我们的建筑如果有生命力，它就应该反映今天这里的更为生动的人类状况。建筑就是人类受关注之处，人本性更高的表达形式。

赖特作品流水别墅

 流水别墅是现代建筑的杰作之一，它位于美国匹兹堡市郊区的熊溪河畔，由赖特设计。别墅

的室内空间处理也堪称典范，室内空间自由延伸，相互穿插；内外空间互相交融，浑然一体。流水别墅在空间的处理、体量的组合及与环境的结合上均取得了极大的成功，为有机建筑理论作了确切的注释，在现代建筑历史上占有重要地位。

 别墅共三层，面积约380平方米，以二层（主入口层）的起居室为中心，其余房间向左右铺

展开来，别墅外形强调块体组合，使建筑带有明显的雕塑感。两层巨大的平台高低错落，一层平台向左右延伸，二层平台向前方挑出，几片高耸的片石墙交错着插在平台之间，很有力度。溪水由平台下怡然流出，建筑与溪水、山石、树木自然地结合在一起，象是由地下生长出来似的。

 流水别墅这个建筑具有活生生的、初始的、原型的、超越时间的质地，为了越过建筑史的诸

多流派，它似乎全身飞跃而起，坐落于宾夕法尼亚的岩崖之中，指挥着整个山谷，超凡脱俗，建筑内的壁炉是以暴露的自然山岩砌成的，瀑布所形成的雄伟的外部空间使落水山庄更为完美，在这儿自然和人悠然共存呈现了天人和一的最高境界。

罗比之家

 罗比之家是赖特草原式建筑的代表作，赖特描述罗比之家为“现代建筑的基石”。罗比之家有

标准草原建筑的特质：极度强调水平的结构，视觉上的低矮，扁平而向水平夸张延伸的屋檐，极宽的烟囱。这栋建筑的结构完全不对称, 看起来就像用各种形状大小的积木拼出来的，然而整体的视觉却又是不可思议的和谐。

 因为不对称的结构，建筑物从不同角度看，会有完全不同的视野。另外有趣的是虽然整个建

筑几乎都是直线直角，找不到一条弧线，但整体却不觉尖锐刺眼。罗比之家的业主当时是年轻的成功商人，很能接受新观念而不自限于传统价值观。他新婚不久，年轻的妻子仍向往大学生活，于是促使他们决定在芝加哥大学校园旁买下这块狭窄的土地，并在此建立他们的家。

 装饰艺术

依附于某一主体的绘画或雕塑工艺。使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。从其与装饰主体的关系看，它有双重性质。一方面它必须从属于主体，即装饰是从美感的角度来标明主体的特征、性质、功用以及价值。另一方面装饰艺术亦可从主体当中而出，显示出自己的审美价值。

 装饰艺术因为设计既要满足人们的生理需求又要满足人们的心理需求，所以有人把设计定义

为科学的艺术，也有人定义为艺术的科学。他们争论的焦点是：在设计中艺术的成分居多还是科学的成分居多。装饰艺术设计需要利用现代科学技术手段，然而它的目的却始终是创造设计人的生活，引导人们新的建立在现代科学技术和生产力的基础上的生活方式。设计需要协调人与人的关系、人与环境的关系及人与物的关系。

美国：克莱斯勒大厦

克莱斯勒大厦顶部

 克莱斯勒大厦是一座位于纽约曼哈顿东部，42街与莱星顿街交界的摩天大楼。高319米（1,047

英尺），在1931年帝国大厦完工前一直是最高大楼。不过克莱斯勒大厦依旧是世界最高砖造建筑物。在911事件后再度成为纽约第二高楼。直到2007年12月，美国银行大厦顶端高365.8（1,200英尺），使克莱斯勒大厦排名下降成为纽约第三高。

 克莱斯勒大厦被视为一个典型的装饰艺术建筑，大多数的当代建筑师认为克莱斯勒大厦仍是

纽约市最优秀的装饰艺术大楼。作为纽约市天际线代表的一部分，克莱斯勒大楼在数不尽的媒介中被描述电影、摄影、录像、游戏、艺术、广告、音乐、文学、甚至时装，因为它的用途毫无疑问迅速建立事件发生的地点。

 格罗皮乌斯与包豪斯

瓦尔特·格罗皮乌斯（WalterGropius）1883年5月18日出生于德国柏林，是德国现代建筑师和建筑教育家，现代主义建筑学派的倡导人和奠基人之一，公立包豪斯（BAUHAUS）学校的创办人。格罗皮乌斯积极提倡建筑设计与工艺的统一，艺术与技术的结合，讲究功能、技术和经济效益。

 格罗皮乌斯说，必须有一种崭新的设计观念来影响德国的建筑界，否则任何一个建筑师都无

法实现他心中的理想，他只有模仿那些已经司空见惯的古旧的东西。这时，离二战结束刚刚过去了四个月。这之前的欧洲，建筑结构与造型复杂而华丽，尖塔、廊柱、窗洞、拱顶，无论是哥特式的式样还是维多利亚的风格，强调艺术感染力的理念使其深刻体现着宗教神话对世俗生活的影响，这样的建筑是无法适应工业化大批量生产的。

 格罗皮乌斯针对此提出了他崭新的设计要求：既是艺术的又是科学的，既是设计的又是实用

的，同时还能够在工厂的流水线上大批量生产制造。

 格罗皮乌斯引导学生如何认识周围的一切：颜色、形状、大小、纹理、质量；他教导学生如

何既能符合实用的标准，又能独特地表达设计者的思想；他还告诉学生如何在一定的形状和轮廓里使一座房屋或一件器具的功用得到最大的发挥。格罗皮乌斯的教学为国立建筑工艺学校带来了以几何线条为基本造型的全新设计风格。

 国立建筑工艺学校设计的工厂不再有任何装饰，厂房为四方形，平平的房顶、楼身除支柱外

全部用金属板搭构，外镶大块的玻璃，简洁而敞亮，完全适于生产的需要。国立建筑工艺学校设计的椅子没有任何装潢雕饰，四方的坐椅靠背仅由几条曲线状的木条或钢条支撑，它在生产流水线上一天就能产出上百把。国立建筑工艺学校设计的台灯，金属的半圆灯罩下一根灯杆直立在薄薄的圆形灯座上……至此，小到水壶大到楼房，格罗皮乌斯让他的学生学会了用最简单的方形、长方形、正方形、圆形赢得设计样式和风格的现代感。

包豪斯校舍

 格罗皮乌斯在他设计的包豪斯校舍的实验工厂中更充分地运用玻璃幕墙。这座四层厂房，二、

三、四层有三面是全玻璃幕墙，成为后来多层和高层建筑采用全玻璃幕墙的先声。把大量光线引进室内是当时现代主义建筑学派主张的现代功能观点的一个主要方面。

 欧洲传统建筑大多室内幽暗，阳光很少，而格罗皮乌斯设计的房屋有较大的窗户，有阳台。

在总体布局上，为了保证阳光照明和通风，摒弃了传统的周边式布局，提倡行列式布局，并提出在一定的建筑密度要求下，按房屋高度来决定它们之间的合理间距，以保证有充分的日照和房屋之间的绿化空间。

 格罗皮乌斯积极提倡建筑设计与工艺的统一，艺术与技术的结合，讲究功能、技术和经济效

益。他的建筑设计讲究充分的采光和通风，主张按空间的用途、性质、相互关系来合理组织和布局，按人的生理要求、人体尺度来确定空间的最小极限等。

 70年代以来，西方建筑界新的建筑流派和理论不断涌现，出现了批判现代主义建筑千篇一律、

枯燥无味的倾向，认为这是偏重功能、技术和经济效益，忽视人的精神要求造成的。这种批判波及格罗皮乌斯。对于格罗皮乌斯在建筑理论和实践上的作用评价不一，但对于他创立包豪斯学校等在现代建筑教育上的贡献则是一致肯定的。格罗皮乌斯参加发起组织现代建筑协会，传播现代主义建筑理论，对现代建筑理论的发展起到一定作用

 包豪斯（Bauhaus，1919/4/1—1933/7），是德国魏玛市的 “公立包豪斯学校”（Staatliches

Bauhaus）的简称，后改称“设计学院”（Hochschule für Gestaltung），习惯上仍沿称“包豪斯”。在两德统一后位于魏玛的设计学院更名为魏玛包豪斯大学（Bauhaus-Universität Weimar）。

 包豪斯的成立标志着现代设计的诞生，对世界现代设计的发展产生了深远的影响，包豪斯也

是世界上第一所完全为发展现代设计教育而建立的学院。“包豪斯”一词是格罗披乌斯生造出来的，是德语Bauhaus的译音，由德语Hausbau（房屋建筑）一词倒置而成。

 第一阶段（1919—1925年），魏玛时期。格罗皮乌斯任校长，提出“艺术与技术新统一”的崇

高理想，肩负起训练20世纪设计家和建筑师的神圣使命。他广招贤能，聘任艺术家与手工匠师授课，形成艺术教育与手工制作相结合的新型教育制度；

 第二阶段（1925—1932年），德绍时期。包豪斯在德国德绍重建，并进行课程改革，实行

了设计与制作教学一体化的教学方法，取得了优异成果。1928年格罗皮乌斯辞去包豪斯校长职务，由建筑系主任汉内斯·梅耶继任。这位党人出身的建筑师，将包豪斯的艺术激进扩

大到政治激进，从而使包豪斯面临着越来越大的政治压力。最后梅耶本人也不得不于1930年辞职离任，由L·密斯·凡·德·罗继任。接任的密斯面对来自纳粹势力的压力，竭尽全力维持着学校的运转，终于在1932年10月纳粹党占据德绍后，被迫关闭包豪斯；

 第三阶段（1932—1933年），柏林时期。L·密斯·凡·德·罗将学校迁至柏林的一座废弃的办公

楼中，试图重整旗鼓，由于包豪斯精神为德国纳粹所不容，面对刚刚上台的纳粹，密斯终于回天无力，于该年8月宣布包豪斯永久关闭。1933年11月包豪斯被封闭，不得不结束其14年的发展历程。

 包豪斯对于现代工业设计的贡献是巨大的，特别是它的设计教育有着深远的影响，其教学方

式成了世界许多学校艺术教育的基础，它培养出的杰出建筑师和设计师把现代建筑与设计推向了新的高度。相比之下，包豪斯所设计出来的实际工业产品无论再范围上或数量上都是不显著的，在世界主要工业国之一德国的整体设计发展过程中，包豪斯的产品并未起到举足轻重的作用。包豪斯的影响不在于它的实际成就，而在于它的精神。包豪斯的思想在一段时间内被奉为现代主义的经典。

 包豪斯的基本特征

一、强调建筑随时代发展变化，现代建筑 应同工业时代相适应 二、强调建筑师应研究和解决建筑的实用功能与经济问题 三、主张积极采用新材料、新结构，促进建筑技术革新 四、主张坚决摆脱历史上建筑样式的束缚，放手创造新建筑 五、发展建筑美学，创造新的建筑风格

 包豪斯被迫解散后，的设计家们纷纷法国、瑞士、英国，而大部分去了美国。欧洲建筑

和工业设计的中心转到了美国。 1937年包豪斯的教师莫霍利·纳吉在芝加哥筹建了“新包豪斯”，继续弘扬德国时期的包豪斯精神。后来更名为“芝加哥设计学院。以后又与伊利诺工学院合并，成为美国最著名的设计学院。从此，欧洲设计运动便在美国蓬勃开展，形成高潮。

 柯布西埃与国际风格

勒•柯布西埃1887--1965年，是现代建筑与城市规划、城市设计大师，也是一位怪杰，他一生都在不断地执著追求，大胆创新，有时甚至于是惊世骇俗，令人难以接受。但他的敏锐的感觉，把握时代精神脉搏的能力。柯布西埃被誉为开创现代主义建筑的鼻祖、20世纪最富激情的建筑师。他一生致力于现代高层建筑的设计。

柯布西埃作品：马赛公寓

 1952年在法国马赛市郊建成了一座举世瞩目的超级公寓住宅，马赛公寓大楼，它像一座方便

的“小城”。这是为缓解二战后欧洲房屋紧缺的状况而设计的新型密集型住宅，充分地体现了战前要把住宅群和城市联合在一起的想法。

 被设计者称之为“居住单元盒子”的马赛公寓，按当时的尺度标准是巨大的，165米长，56米

高，24米宽，通过支柱层支撑在3.5x2.47英亩面积的花园，这种做法是受一种古代瑞士住宅—小棚屋通过支柱落在水上的启发，主要立面朝东和西向，架空层用来停车和通风，还设有入口、电梯厅和管理员房间。

 在设计马赛公寓的过程中，勒•柯布西耶运用文艺复兴时期达•芬奇的人文主义思想，演变出

一套“模数”系列，这套“模数”以男子身体的各部分尺寸为基础形成一系列接近黄金分割的定比数列，他套用“模数”来确定建筑物的所有尺寸。

 马赛公寓的出现进一步体现了柯布西埃的“新建筑的五个特征”，建筑被巨大的支柱支撑着，

看上去像大象的四条腿，它们都是未经加工的混凝土做的，也就是大家都知道的粗面混凝土，它是柯布西耶在那个时代所使用的最主要的技术手段，立面材料形成的粗野外观与战后流行的全白色的外观形式形成鲜明对比，引起当时评论界的争论。

 一些瑞士、荷兰和瑞典的造访者甚至认为表面的痕迹是材料本身缺点和施工技术差所致，但

这是柯布西耶刻意要产生的效果，他试图将这些“粗鲁的”、“自发的”、“看似随意的”的处理与室内精细的细部及现代建造技术并置起来，在美学上产生强烈对比的感受。

 马赛公寓是一个非常成功的建筑，在欧洲它立刻就被年轻的建筑师所仿效，马赛公寓代表勒

•柯布希埃对于住宅和公共住居问题研究的高潮点，结合了他对于现代建筑的各种思想，尤其是关于个人与集会之间的关系的思考 。

柯布西埃作品：朗香教堂

 朗香教堂，又译为洪尚教堂，位于法国东部索恩地区距瑞士边界几英里的浮日山区，坐落于

一座小山顶上，1950—1953年由法国建筑大师勒·柯布西埃设计建造，1955年落成。朗香教堂的设计对现代建筑的发展产生了重要影响，被誉为20世纪最为震撼、最具有表现力的建筑。

 在朗香教堂的设计中，勒·柯布西埃把重点放在建筑造型上和建筑形体给人的感受上。他摒弃

了传统教堂的模式和现代建筑的一般手法，把它当作一件混凝土雕塑作品加以塑造。

 教堂造型奇异，平面不规则；墙体几乎全是弯曲的，有的还倾斜；塔楼式的祈祷室的外形像

座粮仓；沉重的屋顶向上翻卷着，它与墙体之间留有一条40厘米高的带形空隙；粗糙的白色墙面上开着大大小小的方形或矩形的窗洞，上面嵌着彩色玻璃；入口在卷曲墙面与塔楼的交接的夹缝处；室内主要空间也不规则，墙面呈弧线形，光线透过屋顶与墙面之间的缝隙和镶着彩色玻璃的大大小小的窗洞投射下来，使室内产生了一种特殊的气氛。

 不管你喜欢还是不喜欢，不管你信教还是不信教，也不论你见到了实物还是只看到照片或影

片，朗香教堂的形象都会令你产生强烈的、深刻的、从而是难忘的印象。在这里，教堂的规模、技术和经济问题，以及作为一个宗教设施它合用到什么程度等等都不重要，也与我们无关。在这里，重要的是建筑造型的视觉效果和审美价值。

第三章：二十世纪中期现代艺术 欧洲衰落与美国崛起

 第二次世界大战之后，西方社会发生了两个重大变化，一是欧洲衰落和美国崛起；二是以美国和苏联为两级的冷战格局形成。战后的欧洲面临的不仅是经济和社会的衰落，更重要的是文化和精神的衰落。战后的欧洲知识界普遍陷入到虚弱、失望、无聊的思想氛围之中，萨特的存在主义大行其道。

“美国文化的特殊性或与众不同之处在于美国人以为自己就是普遍性，以为美国便是历

史的终结。美国人认为，美国的现实不是由文化决定的，而别的现实都是由特定的文化决定的。特殊的文化传统造就了法国人或者中国人，并决定他们不同的所作所为。但美利坚合众国则代表普遍的人性，”

——詹明信

 普世主义

既代表活力又意味着稳定的普世主义原则是帝国的基本力量之一，也就是说，帝国应当平等地对待不同的人和不同的民族。这种态度能够将各被征服的民族和个人纳入帝国核心，从而不断扩大帝国的权力范围，超越最初的民族基础。被这一体系所同化的人群规模不断扩大，因为它允许被统治者将自己重新定义为统治者。在被征服者的眼中，征服者最初的暴力转变成宽宏大量。 战后欧洲：表现主义  存在主义

存在主义又称生存主义，当代西方哲学主要流派之一。这一名词最早由法国有神论的存在主义者马塞尔提出。存在主义是一个很广泛的哲学流派，主要包括有神论的存在主义、无神论的存在主义和存在主义的马克思主义三大类。

存在主义可以指任何以孤立个人的非理性意识活动当作最真实存在的人本主义学说。存在主义以人为中心、尊重人的个性和自由，认为人是在无意义的宇宙中生活，人的存在本身也没有意义，但人可以在存在的基础上自我造就，活得精彩。

 法国在二战中充满消极颓废、悲观失望情绪，知识分子中形成一种由于苦闷、孤独、被遗弃、找不到出路而玩世不恭、放荡不羁的风尚。于是，标榜个人的生活、自由、存在放在第一位的萨特的存在主义受到极大欢迎，被资产阶级和知识分子当做最时髦的哲学。至50-60年代，它成为全欧最流行的哲学思潮。

 英国画家弗朗西斯•培根(Francis Bacon,l909--1992)出生于爱尔兰都柏林，成长于英国，严重的哮喘病阻碍了其接受正规教育的机会。1927年培根离家在柏林呆了8周，而后，培根前往巴黎，参观了美术馆，对绘画产生了浓厚的兴趣。1929年，他回到伦敦，在画室里用了二三年的时间使自己成为了所谓“二流的装饰画家”。

 培根的地毯设计和早期绘画、水彩，稍具立体主义的风格；不久他又受到上世纪20年代末毕加索的生物形体的影响，作品更加有机而怪异，更具超现实主义的特色。他是一个自学成才的画家，受澳大利亚画家罗伊·德·梅斯特的指导，正式创作约从1944年开始。

 二次世界大战后，由于长期经受欧战中人民的痛苦形象的折磨，在培根作品中出现一些怪诞的、充满痉挛和恐怖的人物形象。他们不是精神性格被扭曲了，就是长期被囚禁在阴森的牢房里的单个人物。材料多半来自照片，或借鉴影片中某个人物镜头，或诙谐地模拟某个艺术大师的作品的形象，再予以异化或悲剧化，以突出人物的精神崩溃性。

培根《受难图之一》

 被毕加索称为“20世纪最伟大的画家”的巴尔蒂斯，原名巴尔塔扎·克洛索夫斯基\"巴尔蒂斯\"是他从艺后使用的笔名。1908年，巴尔蒂斯出生在巴黎的一个波兰贵族家庭，父亲是一个美术史学家和画家，母亲也在绘画上很有建树。

 巴尔蒂斯画作的风格

浪漫主义、印象派运动把绘画从古典主义割裂的静止发展到了运动乃至分散的艺术模式，而巴尔蒂斯却重新把\"静止\"请回了绘画，他的一些作品中，画面所呈现的景象似乎永远地停留在那里，超越了语言的描述看不到\"何所来，何所去\"，这一点作得比古典派还要绝对。

巴尔蒂斯《猫照镜3》

 女孩的服装、沙发、发辫上的蝴蝶结的颜色几乎是纯色，而这种情况下的背景则必然几乎是黑色的。颜色的提炼、简化，使色具有了形的作用，与形一起参与分割画面。巴尔蒂斯极注重造型，他的人物没有细小的转折变化，只有经过精心设计的大的形状，并且在形与形相交造成的不规则几何形状的地方尤其仔细。这样做，使他的画在有很强的表达能力的同时，不会显得僵直，或失去丰富的细节表现，使画面更有力度。

 让·杜布菲法国画家、雕刻家和版画家。其创作以摆脱观察习惯和文化条件，破除正统的表现规则和油画技艺为特征，并广泛使用各种手段（材料）创造多种风格。20世纪40年代末形成自己的风格，称为原生艺术、涂抹派或塔希主义。后来转向雕刻创作。1962年达到艺术顶峰—“乌尔卢普”风格。其作品使人联想到儿童涂鸦的自发乐趣，也有史前洞窟壁画的野性意味和西方城市街道涂抹画的随意性。

 生涩艺术表示一种流离于美术传统之外的艺术，与陈旧的样式完全不一样。1945年7月，杜布菲开始对生涩艺术加以研究。1948年，“生涩艺术非盈利同志会”成立，而“生涩艺术收藏”在本质上主要是杜布菲的个人爱好，几乎完全处于其私人的关注下，只在1943、1967年巴黎的展览上才吸引了公众的注目。1971年杜布菲将其作品全部赠予瑞士\"洛桑国有美术品收藏\"，作为永久性展品。

 杜布菲的艺术对战后欧洲艺术的发展影响巨大，它对巴黎画派的传统加以反艺术、反传统的正反两面的利用，以探索极端化后的开拓新域的可能性，对现代主义做出了独特的注解。集中地表现了战后头几年视觉艺术中几种主要的倾向。其始创的生涩艺术，就优先考虑艺术家的内心世界，拒绝接受艺术的精英化、组织性、整体统一性的主张，在一定程度上提示了未来的发展方向，甚至在精神上影响了同时代的美国芝加哥的艺术家。 美国：抽象表现主义  纽约画派

在第二次世界大战中，世界艺术中心从巴黎转移到了纽约。超现实主义，抽象形式词汇，成为抽象表现主义运动的主要来源，这个运动以纽约为中心，向战后的西方世界扩展。

 纽约画派是美国现代绘画流派。也称抽象表现主义﹑动作画派﹑塔希主义﹑行动绘画等。20世纪40年代中期出现在纽约,50年代风靡美国画坛并波及欧洲。代表画家有J.波洛克、W.德.库宁、克莱茵等人 。

 抽象表现主义艺术家反对传统的艺术观念和绘画艺术，采用超现实主义即兴手法，发觉潜意识和心理力量。他们希望观者自发的把握作品的内容，摆脱习惯性的逻辑思维束缚。抽象表现主义者坚信，他们的作品可以唤醒人类心灵中的与所有生命事物关联的感觉。

 波洛克是这个画派的创始人和首领。他的作画方式和一般绘画不同,1945～1946年间,他开始把画布铺在地板上,然后把颜料洒滴在画布上。他摒弃了画家所必需的工具,诸如画架﹑调色

板﹑画笔等,而用排刷﹑枝条﹑泥铲﹑刀子和滴漏颜料,或掺沙的碎玻璃和其它不同的物质而做浓厚的涂抹。他用“滴”彩的方法来寻找新的线条和节奏,开创了“满幅画”的构图。

波洛克《蓝色柱子》

波洛克《第31号》

 波洛克创立的行动绘画意义是：一、改变了传统架上绘画的观念，绘画不再是美学的设计，而成了承担由内心支配的人的运动的载体；绘画不再是通过形象或形式来象征地表现情感，却成了画家情感流泻的直接记录。

二、改变了绘画的空间，在行动绘画中不再存在前景和背景，传统的构图关系消失了，一切空间关系不复存在了，是一个画家参予的画面。

三、画面没有主题，没有中心，没有主次，漫无边际，绘画仅作为这无边际整体中的一块，这种绘画可以任意分割

 波洛克的画根本意义在于摆脱一切束缚，追求极端的自由和开放，它促使了人类大胆创造意识的发展。

 色域抽象

在抽象表现主义之後的美国，艺术家掀起了一股奇妙的抽象艺术浪潮。这新一代的现代抽象艺术家试图将艺术从过多的形上学意义中出来，使其成为纯粹的视觉体验，色域抽象因而被发展出来。

 色域画家排拒空间深度的幻象与动势的笔触，经常运用几乎覆盖整个画布的大片色彩。暗示著它是抹个大场域的细部图。他们意图减低主题与背景之间的分野，而视画布唯一个单一的面。色域绘画强调绘画的平坦性，正好与形式主义的主张对应。他们要求绘画应尊重其平面的特性本质，而不是特意的去创造一个三度空间的幻象。

 色彩主义可以说是色域绘画的一个成功的分支。色彩主义(Colourism)，也有人称他们为染料绘画家(Stain Painting)， 染料绘画家运用色彩来表现欢乐，他们用大片颜料上色，以视觉手法法来传达人类生存之奇妙。色彩能影响情绪，也能超脱形象与主题之外，传达自身的意义。

 欧普艺术

欧普艺术产生于法国的1960年代，是精心计算的「视觉的艺术」，使用明亮的色彩， 造成刺眼的颤动效果，达到视觉上的亢奋。

 欧普艺术所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此欧普艺术（Optical Art）又被称为“光效应艺术”和“视幻艺术”，它是继波普艺术之后，在西欧科学技术的推动下出现的一种新的风格流派，兴起于西方二十世纪六十年代。

 欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。“OP”是“Optical”的缩写形式，意思是视觉上的光学，即视觉效应。正式使用这 一名称是在1965年，那时纽约现代美术馆举办眼睛的反应画展，展览会上陈列出大量经过精心设计，按一定规律排列而成的波纹或几何形画面，造成视知觉的运动感和闪烁感，使视神经在与画面图形的接触中产生眩晕的光效应现象和视觉的幻觉。

 欧普艺术家一方面认为抽象表现主义太随意和偶然；另一方面又认为波普艺术太鄙俗。他们

主张要吸引观众，但却不能让观众卷入艺术之中；既不联系具体，也不表达感情和体验， 而基本上利用视觉变化来造成一种幻景。

 欧普艺术几乎同时兴起于欧美各国。其最杰出的代表是法国画家维克托·瓦萨雷利，他从50

年代起就开始创作具有运动感和闪烁效果的绘画，成为法国欧普艺术的主流。其他具有影响力的欧普艺术画家有美国的约瑟夫·艾伯斯和安德鲁基威斯，英国的女艺术家瑞利及以色列的阿格姆﹑委内瑞拉的萨图等。

 虽然欧普艺术盛行的时间并不是很久，到二十世纪七十年代就走向了衰落。但它变幻无穷的

视觉印象，以强烈的刺激性和新奇感，广泛渗透于欧美和日本的建筑装饰、都市规划、家具设计、娱乐玩具、橱窗布置、广告宣传、纺织品印染，以及芭蕾舞、电视观赏等到多种设计领域，在国际上产生了很大影响。

欧普艺术之父瓦萨雷利代表作《斑马》

 欧普艺术在服装上的应用

据美国《世界日报》报道，欧普艺术以色彩缤纷绚丽著称，经过科学设计，按一定规律排列而成的波纹、圆形或方形等几何图案，常让人产生眩晕和幻觉感。最神奇的是，欧普印花图案所产生的视觉错觉只要运用得当，就可以成功达到修饰、雕塑凸凹有致身材的目的。

1.黑白棋盘式格纹

在07年秋冬季，英国知名时装设计师亚历山大·麦奎因、日本时装设计师川久保玲和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等，成功塑造女性丰美的胸线和臀线，以及纤细的腰身。理论很简单，只要将服装胸部和臀部的黑白格纹放大，腰际的黑白格纹缩小，就能产生丰胸、美臀和柳腰的视觉效果。

2、圆形、方形几何式条纹

除了棋盘格纹之外，不断延伸重复的圆形、方形几何图案和条纹也是欧普艺术常见的手法。

新达达和装置艺术

第四章：20世纪晚期现代以后现代艺术 波普与后现代艺术潮流  波普艺术

是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。

 20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。

 美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃

物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。

 英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短

期方案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮华的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。

 波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推

翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。

 波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平

面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。 超级写实主义

 超级写实主义（Hyperrealism，又称高度写实主义），是绘画和雕塑的一个流派，其风格类似高分辨率的照片。超级写实主义可以看作是照相写实主义（Photorealism）的发展。自2000年代早期以来，该术语在美国和欧洲作为一个的艺术运动和艺术风格发展起来。

 21世纪初，超级写实主义在照相写实主义的美学基础上成立。美国照相写实主义画家丹尼斯·彼得森的开拓性超级写实主义作为被普遍认为是照相写实主义的分支运动，第一次使用术语“Hyperrealism”来形容新的运动和相关的艺术家派别。

 20世纪末期，超级写实主义和传统的照相写实主义处理方式形成对比。超级写实主义的画家和雕塑家使用照片作为参考，创造一个更加明确和详细的渲染的作品，不像照相写实主义，往往直接的叙述和描写。照相写实主义画家希望模仿照片，为了符合照片整体设计，常常省略或者抽象一些细节。 他们经常省略人物的表情、政治价值和叙述元素。照相写实主义风格演变自波普艺术，作品通常紧凑精致，线条分明，突出重点。

 超级写实主义则与之相反，虽然本质上参考照片，常常对描绘的主题处理得更柔软更复杂，使之表现成一个生动的对象。超级写实主义作品中的对象和场景描绘得非常精致，创造出原始照片中没有的一个新的现实的幻想。这并不是说他们是超现实主义，因为这种幻想是一个令人信服的描写现实。纹理、表面、灯光效果和阴影画表现得清晰，比参考照片甚至实物还要鲜明。

 超级写实主义的哲学根源自让·鲍德里亚的理论，“模拟的东西永远不在现实中存在”。因此，超级写实主义创建了一个虚假的现实，是一个令人信服的幻想，是基于现实的一个模拟。超级写实主义绘画和雕塑作品是数码相机拍出并在计算机上显示的超级高分辨率的照片的副产品。就如照相写实主义 效仿模拟摄影，超级写实主义利用数码照片并扩展之来创造一个新的现实的感觉。 超级写实主义绘画和雕塑使观众得到高清晰度图像的幻觉，但是比图像更细致。

 超级写实主义的主题

超级写实主义作品对象包括画像、具象艺术、景物、风景、城市风景和叙事场面。近期由

于对细节的描写和对社会、文化或者政治主题重视，超级写实主义风格比照相写实主义更加文学性。新的照相写实主义延续避免照片异常，因此两者形成鲜明对比。超级写实主义画家模拟并提高精确的摄影照片，在社会和文化的背景下，使之产生有光学说服力的现实幻象。 激浪派

 激浪派不是一个现代艺术运动，也不是一个艺术风格，而是一个在20世纪60年代初出现在欧美的松散的国际性艺术组织。这个组织中的艺术家来自世界各地，他们的艺术创作活动也是各式各样的。

 其中有相当多的表演艺术的做法，如乘火车故意不买票，保持一天的沉默，吃饭，把身上所有的毛发剃光等等。因此这个组织基本上被看成从事表演艺术的组织，它同时也出版刊物，举办音乐会、艺术展，展览自己成员的作品，这些作品五花八门，什么都有，但精神是比较一致的——把艺术弄的不像艺术。

 麦素纳斯被认为是激浪派的开创者。麦素纳斯不是一个属于精神领袖的人物，而主要是一个组织者、活动者。 1960年10月，麦素纳斯打算办一本综合性的文化杂志，探讨美国、欧洲和日本的一些最新的艺术活动，他给这个杂志起名为《激浪派》。但要涉及技术最新的创作领域，光靠杂志很难反映得充分周全，因此，他的这个杂志又进一步组织音乐会，组织艺术展览。这样一来，激浪派就繁衍成一个从事先锋派艺术活动的组织。这个组织在欧美以及日本从事艺术活动，出售他们的刊物及别的艺术作品，举办巡回展览等等。这个组织从60年代一直存在至今。

 激浪派的性质有些像达达，但没有达达的那种开创性的历史地位以及开创者的那种惊世骇俗的效果。在它出现的年头——60年代——世人对先锋派艺术的承受力已经是曾经沧海：达达主义、超现实主义、波普艺术、偶发艺术、表演艺术，这些艺术流派已经为西方现代艺术提供了最出格的手法。

 所以在激浪派出现之时，它的艺术家们基本上并没有打开什么新的思路，只是继承了上述先锋派艺术的思路和做法，并且坚定不移地把离经叛道作为他们艺术的创作方针。他们要把反艺术、反规律、反理性、反常规作为一个永久的主题在艺术中保持下来。这种做法是必要而且可贵的。

 激浪派的存在成了一个巡回医疗队，它在世界各处办展览，不断地把造反精神的艺术活动展现给世人，时时地提醒世人，对艺术可以有一种意想不到的态度，一种倒行逆施的做法。这种态度和做法，让人从规矩中解脱，从异化中还原，让人重新体会生命，重新思考做人。 女性主义与女性主义艺术

 女性主义的理论千头万绪，但是归根结底就是一句话：在全人类实现男女平等。所有的女性主义理论有一个基本的前提，那就是：女性在全世界范围内是一个受压迫、受歧视的等级，即女性主义思想泰斗法国著名存在主义作家、女权运动的创始人之一、让-保罗·萨特的终身伴侣波伏娃所说的“第二性”。

 女性的第二性地位是如此普遍，如此持久。在这样一个跨历史跨文化的普遍存在的社会结构当中，女性在政治、经济、文化、思想、认知、观念、伦理等各个领域都处于与男性不平等的地位，即使在家庭这样的私人领域中，女性也处于与男性不平等的地位。女性主义却认为，男尊女卑的性别秩序既不是普遍存在的，也不是永不改变的，因为它并不是“自然形成”的，而是由社会和文化人为建构起来的。

 女性主义是跟女权主义、妇女运动相联系的。妇女运动到今天为止，大致可以分为

两个阶段：

第一个阶段很早，大概是19世纪末左右，是妇女运动的第一次浪潮，当时争论的一个焦点是要求性别包括男女之间的平等，也就是两性的平等，当时也要求公民权、政治权利，反对贵族特权，强调男女在智力上和能力上是没有区别的。最重要的一个目标是要争取政治权利，往往被称作“女权运动”。

 第二次妇女运动，一般地说，是从20世纪60年代－70年始的。人们认为，最早也是起源于美国。这次运动一直持续到80年代。其基调是要消除两性的差别。把两性的差别实际上看成是在两性关系中，女性附属于男性的基础。要求各个领域对公众开放，等等。波伏娃的《第二性》即产生于这一时期。

 第二次女权主义运动带来的另外一个结果，就是对于性别研究，女性主义的学术研究兴起。因此，也出现了形形色色的女性主义流派。

 女性主义流派

自由主义女性主义、社会主义女性主义、激进女性主义。近年来又出现了一个重要的新女性主义流派：后现代女性主义。除了以上流派，女性主义流派还有：文化女性主义、生态女性主义、心理分析女性主义、第三世界女性主义与黑人女性运动、女同性恋女性主义。

 当代女性运动的一些主要论争包括：强调相同还是强调相异；强调平等还是强调区别；强调法理社会 关系还是强调礼俗社会关系；强调自由参与竞争还是强调责任；强调工作的投入还是强调家庭的投入；强调社会教化过程的作用还是强调生理和心理的区别等等。

 后女性主义

在上世纪80年代末，西方媒体纷纷宣布了“女性主义之死”，以及“后女性主义时期的到来”。这一宣告并没有反映真正的现实，女性主义仍然在为争取男女平等做斗争。但是，后女性主义思潮的确开始在西方国家开始登台表演。

 后女性主义的思潮有三个关注点：一是认为女性主义夸大了男女不平等的问题，是一种“受害者”哲学；二是认为男女不平等的问题原本就不该政治化，是女性主义人为制造出来的；三是认为对于男女不平等问题不宜以对立态度提出，而应以寻求两性和谐的态度提出来。

 后女性主义拒绝女性主义的一个主要理由是认为，女性主义夸大了男女不平等的问题，把女性塑造成“受害者”，从而制造了一种“受害者”哲学。好象所有的男性都是压迫者，是强奸犯；所有的女性都是被压迫者，是强奸犯罪的受害者。

女性主义艺术

 早期女性主义艺术家的创作基本上是自发的、零散的、不成规模的。在内容上，大多是基于女性的反美学的躯体及其内涵的神秘性，以及基于反男性视角的女性艺术政治学的构建。或者，换言之，是以身体寓言的形式，解构传统的男性视野中的淑女形象。

 现年63岁的玛丽娜·阿布拉莫维奇早年曾接受苏式美术教育，从事绘画和装置创作。从上世

纪70年始其在行为艺术上的实践，至今已近四十年，被认为是20世纪最伟大的行为艺术家之一。

 从1972年起，阿布拉莫维奇开始以自己的身体为试验材料，通过制造险境及各种自残的手段

进行有关身心极限的思考。这一时期的代表作品是“节奏系列”。

 而1974年在意大利那不勒斯实施的《节奏0》则尝试与观众进行互动性表演，通过为观众提

供包括带子弹的手在内的72种物品，让他们对艺术家的身体进行任意摆布，从而使此系列的作品达到了一个高峰，《节奏0》也是“节奏系列”的最后一件作品。

 《节奏 0》是一次具有极度视觉冲击力和道德震撼力的行为艺术表演。艺术家本人通过自己

的身体对自我和观众发起挑战。她面对观众，撕破衣服、划破皮肤，露出双乳和腹部，像一个受难的女神，又像一个嘲讽的女巫，站在两性之间最危险最恐怖的地带。

 朱迪·芝加哥是西方女性主义艺术的重要代表人物。她的视觉史诗作品《晚宴》今天已经成为

女性主义艺术经典中的经典 。朱迪·芝加哥是“女性主义艺术”的开山鼻祖，身兼艺术家、作家、女性主义学者、教育家、知识分子数职。代表作品有《女人之屋》、《晚宴》、《生育计划》、《大计划》等。创立支持女性主义艺术的非营利组织“穿越花朵”并任艺术总监。

朱迪芝加哥作品《晚宴》

 《晚宴》企图通过视觉艺术重写西方由男性主导的文化史。朱迪·芝加哥设计了3组每组13个单元的等边三角形桌子意在邀请西方神话和历史中从原始女神到奥基弗39位杰出女性共进晚宴。另外999个杰出女性的名字记录在装置的白色陶瓷地板中。三角形象征女性，等边象征平等，每组13个女性则与最后的晚餐中的13个男性对应。

 每个单元配置一块刺绣了一名女性名字和与其贡献相关的图形或符号的桌旗，一块餐巾，餐具，一个玻璃酒杯和一个陶瓷盘子。39个盘子的图案是像蝴蝶或花朵一样的女性生殖器，并且按照次序从平面逐渐变成高浮雕，意味着现代女性的逐渐和平等。

 《晚宴》既是一首献给女性观众的赞美诗，又是一颗掷向男性观众的臭鸡蛋。1990年朱迪·芝加哥准备将《晚宴》作为礼物送给哥伦比亚特区大学，大学也准备翻修一个图书馆作为文化中心永久收藏《晚宴》，但是这一计划遭到了共和党议员的强烈，后者以削减大学的财政预算和终止国家艺术资助相威胁，最后不了了之。尽管如此，朱迪·芝加哥及其《晚宴》还是获得了世界性的影响，在西方女性艺术史中举足轻重。

 到上世纪90年代，随着西方女权主义理论进入一种更加多元、更加理性、更加富有宇宙忧患意识的境遇，女性主义艺术思维和创作也相应的发生了变化。多数女性主义艺术家开始关注一些超越自身性别的、更加具有普遍意义的问题。西方女性主义早期创作中那种愤世嫉俗的妖女、魔女、女巫和复仇女神的形象，在90年代女性主义艺术家的创作中已经渐渐消失。

 现代女性主义艺术从诞生到现在，展现出一条清晰的线路：从单纯的、散兵游勇式的叛逆者到多元理论的、综合的利益集团和审美共同体；从单纯的身体寓言和性别叙事，到多元的政

治叙事和生态叙事；从的式反叛诉求到改革式的纠偏策略。